Autor: dago

08/01/20

Jerome Sans: Text for «Visión de Túnel», Sabrina Amrani Gallery Exhibition

Curator Text

Through the Tunnel

Dagoberto Rodríguez’s first solo exhibition at Sabrina Amrani Gallery, Visión de túnel focuses on a new ongoing series of watercolors depicting simple futuristic architecture of a possible future, as variations around the image of the tunnel and the corridor. From these playful visions of a mechanical world built with Lego blocks emanates paradoxically a dystopic atmosphere without the slightest trace of humanity. These tunnels transport us into a space that is not real nor located. They increase the experience of gravity and spatiality, exerting a strong force of attraction towards the depths. For the Cuban artist, living between Havana and Madrid, these drawings constitute a strong working methodology. The use of watercolor is fundamental to his creative process, as a way of working, revising and archiving his ideas, which are often based on a fantasy of possibilities for any given situation. Drawing also plays an integral part, as a technical tool for artistic elaboration, like carpentry or architectural sketches. Aircraft turbines, aerospace nacelles, aeronautical structures, urban infrastructure have for many years colonized his imagination. “For Cubans, living on such an isolated island, a plane is like a bridge taking you into another dimension, like an escape window[1],” he said about his fascination for utopia architecture and aeronautics. “However, my galaxy is right here on Earth. I want to reach a realm that’s within our terrestrial parameters and social culture[2].” Following this state of mind, Visión de túnel opens itself as a new chapter, since the end of his 27 years of collaboration with the historical Cuban collective Los Carpinteros in 2019, projecting the beginning of his solo career into a new episode.

In-between Spaces

The tunnel is in itself a polyphony of meanings, a polysemy which symbolizes all the dark, anxious, painful crossings or expectations that can lead to another life. Meticulously executed, the watercolors are of a monumental scale. This medium requires letting go while striking a balance between control and freedom of the gesture. Watercolor is the medium of choice for text illustration, from Egyptian or medieval manuscripts. Immersive, these drawings catch the eye, as if you could pass to the other side of the mirror or get sucked in. They only become even more credible thanks to tenfold illusionist effects that encourage this transition to another world. Dagoberto Rodríguez creates ultra-contemporary and urban narratives of a mechanical, cold and dehumanized world bathed into an electric light … A kind of outside world, closed in itself, enigmatic, without landmarks and of which we do not know if it is dreamlike, dystopic or concrete.

Tunnels and corridors are covered and dark communication paths with no clear location, leading us through the darkness from one area of light to another. They convey the image of the irreversible, the trial or of the passage from one state to another. At the end of each tunnel, a door symbolizes its infinite nature. The tunnel is the illusion of perspective, its emblem, according to Alberti’s definition of the painting as an open window to the world. Within the epic painting, the whole enigma of the world and the history of painting is at stake. It also alludes to today’s racing games on our smartphones or to virtual reality, to all these windows and multiple screens that suck us into information tunnels.

A World in Lego

In the heart of the corridor, we are between two indistinct spaces, as in transit, with no possibility to escape. While they may seem unlimited, these tunnels still hold us prisoners. Are those tunnels embodying the prison of our knowledge or of our certitudes? They have a false horizon. Wandering towards the light at the end of the tunnel as in Plato’s cave, we do not know if we will come across the exit or if it is only the light towards the next corridor that guides us. It appears that those tunnels generate feelings of claustrophobia, stagnation, insecurity and perhaps also frustration. They represent the emblem of the contemporary world where all our dogmas have been overthrown and where we do not know where we are going. To quote Milan Kundera in Identity: “I would imagine life before me like a tree. I used to call it the tree of possibilities. We see life that way for only a brief time. Thereafter, it comes to looking like a track laid out once and for all, a tunnel one can never get out of.[3]” Foucault had already spoken in Discipline and Punish of “conceptual dungeons of incarceration”. Those tunnels also refer to Cuba’s endless history, whose future directions cannot be predicted. The son of a keen astronomer, Rodríguez grew up in Cuba in a socialist environment, a “communist science fiction”, “a failed utopian state[4]”, to quote him. From Cuba’s limited access to technology, he inherited a kind of “Robinson Crusoe syndrome[5]”. Having to do things by himself, step by step, through recycling and inventive resourcefulness has been his way to find a new language of expressive system. Maybe that’s why all his architectural fantasies are built in Lego, a game with elementary principles and rules. Then, the Lego bricks could be disassembled, deconstructed or agglomerated to new blocks to expand at any time, like a huge construction site. This Lego world can also collapse at any moment as Cuba’s communist utopia. It is also the image of the extreme fragility of today’s world of images and information, where no construction is solid anymore.

Retrofutur and Wormholes

Dagoberto Rodríguez’s watercolors evoke simultaneously the visionary drawings of Yona Friedman’s Spatial City (1959–60) or Constant Nieuwenhuys’s New Babylon (1956–1974) as well as the sci-fi visions of Stanley Kubrick’s 2001: A Space Odyssey (1968) or George Lucas’s Star Wars IV Death Star (1977). In response to the unbridled urbanization of post-war Europe, some architects began designing in the late 1950s megastructures as new models of urban planning, more mobile, more relational and in line with technological progress and new lifestyles. These futurological visions aimed to free the individual from formatting, by proposing mobility and the network as paths to emancipation. Therefore, Rodríguez’s works recall the famous labyrinthine stairs of Escher from which we never know where they begin and where they end. They also remind the image of the wormhole, this shortcut through space-time, which would theoretically allow travel from one point to another, as science fiction predicted since the 1960s, being always ahead of science.

Migration Corridors

The tunnel is also a reference to all the invisible souls who worked in painful and dangerous conditions. These are spaces without air, without light, inhospitable, even inhuman. They are also sometimes death row. Thus, the railway line is also the image of the collective or social life and of the common destiny. But railway tunnels are also human prisons, where harmful and arduous human activities such as mining or tunneling occur. In this sense, the artist thinks of the drawings of the Mexican art brut artist Martín Ramírez (1895–1963). In the hope of finding a job that could feed his family, Martín Ramírez emigrated to a new El Dorado, the United States, at the age of thirty. In Northern California, he works in mining and railway construction. Subject to mental disorders, he was interned in 1931 at Stockton State Psychiatric Hospital, from where he escaped several times and returned each time of his own free will. Suffering from schizophrenia, he began drawing there in 1935 since when he became obsessed with railway tunnels. Moreover, as for the Mexican artist, the tunnels evoke the idea of an Eldorado for all migrants that risk their life by trying to take the Channel Tunnel between France and United Kingdom, even if it is dangerous. It symbolizes all the unbridled movement of populations in the hope of a better life.

Vision Tunnel

When vision is impaired while driving an aircraft, a car or when the individual crosses a road or passes near bridges, tunnels or underground tracks, the loss of peripheral vision is called “vision tunnel”. It is also a metaphor for the narrowness and the closure of an individual’s mind. Maybe tunnels metaphorize the dogma of education, of the formatting of minds, which makes history repeat itself endlessly, generation after generation, instead of opening up to other visions and perspectives. Today’s world forces people to be on a railroad to be recognized and valued. We are caught in a unique tunnel, which will probably never cross a parallel vision. In fact, for Dagoberto Rodríguez “Millions of people cohabit in large cities, but never manage to integrate completely. Even though the world has generally become a much more comfortable place than say even 20 years ago in technological terms, thanks to cellphones, the internet and so forth, we haven’t caught up socially or emotionally in terms of interaction[6].” His tunnels, empty of all human presence are visions of a dehumanized world where social interaction is becoming increasingly rare.

In Visíon de túnel, Dagoberto Rodríguez expresses himself through symbolic and philosophical narratives open to multiple interpretations: “My work is certainly metaphorical and symbolic, and metaphors often have profound conceptual value,” he wrote. “The arsenal of objects that we interact with everyday holds huge symbolic potential for my narratives. […] Architecture is also an object, capable of generating a language and expression[7].”

To be continued…

 

 

Jérôme Sans

 

 

[1] Quote from “Poetic Activism: Dagoberto Rodríguez in conversation with Jérôme Sans” in SANS J., BAITASSOVA D., Racing the Galaxy, Milano, Skira, 2019.

[2] Ibid.

[3] KUNDERA M., Identity, [translated from the French by Linda Asher], New York, Harper Flamingo, 1998, p. 75.

[4] Quote from “Poetic Activism: Dagoberto Rodríguez in conversation with Jérôme Sans”, op. cit.

[5] Ibid.

[6] Ibid.

[7] Ibid.

18/12/19

ART MIAMI 2019 celebra su 30 aniversario.

Press Release

El tiempo pasa volando. Ya está a la vuelta de la esquina la gran semana del Arte en Miami. Una nueva edición de Art Basel Miami Beach (ABMB) y, también, nueva edición para más de una veintena de ferias de artes visuales que discurren paralelas. Entre todas tomarán los espacios de la ciudad en la primera semana de diciembre, convirtiendo a Miami en un monumental bazar de arte moderno y contemporáneo de escala global. ABMB, desembarca con más 200 de las galerías más prestigiosas del circuito internacional, abarcando unos 4,000 artistas de todos los continentes.

Pero este año es especial para Art Miami, la gran feria de arte moderno y contemporáneo, creada por esta ciudad a principio de los años 1990, cuando Miami todavía no soñaba con ser uno de los grandes escaparates de comercialización del arte a escala global. En su 30 aniversario, la gran novedad es que el grupo Art Miami (que abarca CONTEXT, Aqua, Art Miami, Art Wynwood, Palm Beach Modern + Contemporary y Art New York) ha sido comprado por el grupo británico Informa Markets, enfocado a las ferias comerciales de yates y diseño. De acuerdo con su informe anual este grupo, presidido por Derek Mapp, obtuvo cerca de $3,000 millones en 2018 por la operación de 500 eventos, exposiciones y ferias repartidas por Estados Unidos, Europa, Medio Oriente, África y Asia.

Art Miami necesitaba regenerarse. En las ultimas ediciones era visible que la calidad del servicio había bajado. Por ejemplo, las luces de los stands eran viejas y en muchos casos obsoletas, los módulos tenían demasiadas capas de pinturas, el diseño de espacio y el inmobiliario se veían ya desfasados, y había problemas con las conexiones a internet. Por otra parte, las estrategias de crecimiento fueron mal gestionadas, lo que llevó a que Art Miami no afianzara Art Southampton y Art Silicon Valley, y fueran cerradas.

En una entrevista reciente en ArtNet, Nick Korniloff, el que fuera copropietario de Art Miami, comentaba que esta venta a Informa Markets, hará que mejoren todas las prestaciones de Art Miami, incluyendo el ambiente, los distribuidores y servicios al público. Es de suponer que estas mejorías recaerán también en el resto de ferias que gestiona el grupo Art Miami, del que Korniloff conserva el área de comunicación. Pero lo que si está claro es que Art Miami quiere competir a fondo o, por lo menos, acortar distancia con Art Basel Miami Beach. Algo que, mentalmente, y durante todo este tiempo, no pareció estrategia clara de Art Miami.

Por lo pronto, en esta edición de 2019, estarán presente más de 170 galerías (10 más que el pasado año), de 69 ciudades en representación de más de una veintena de países. Por ciudades se lleva la palma Nueva York, con más de una treintena de expositores. Le siguen a distancia Londres y Miami alrededor de una veintena. Entre las grandes galerías de Miami que trabajan fundamentalmente con arte latinoamericano destacan Diana Lowenstein, Ascaso Gallery, Bernice Steinbaum, Durban Segnini, Ranivilu Art, Art Nouveau y Cernuda Art. Mientras que entre los proyectos están presente Dean Project, ArtScapeLab y Ds Projects, entre otros. Todos estos espacios y galerías se presentan con selecciones de grandes maestros del arte latinoamericano, pero también contemplan los nuevos valores emergentes que despuntan en el escenario del arte contemporáneo de Latinoamérica. Su fuerte presencia siempre ha sido uno de los platos fuerte de Art Miami, y este año no es la excepción.

En esta oportunidad vuelve a haber una gran variedad de arte moderno y contemporáneo, con más de mil obras firmadas por más de 900 artistas entre pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo e instalación. En arte moderno hay un nutrido grupo de artistas de la vanguardia surrealista como por ejemplo Wilfredo Lam, Marc Chagall, Salvador Dalí y Max Ernest. Del cubismo, Pablo Picasso y, del dadaísmo, Marcel Duchamp. También pueden verse artistas de gran influencia en casi todas las tendencias del arte contemporáneo. En el caso del Pop Art están presente el archiconocido Andy Warhol, Ed Ruscha y Roy Lichtenstein, entre otros. El expresionismo abstracto acude con figuras emblemáticas: Jackson Pollock y Willem de Kooning. La abstracción tiene una gran representación con artistas como, entre muchísimos más, Carmen Herrera, Carlos Cruz Díez, Jesús Soto, Oswaldo Vigas, Sergio Hernández, Fernando Botero y Julio Larraz respectivamente. A ello se suman una lista importante de nuevas figuras tanto de la neo abstracción como de la neo figuración, el neo expresionismo y corrientes neo conceptuales con artistas como, entre otros, Dagoberto Rodríguez y Marcolina Dipierro. Art Miami, quiere postularse como la primera feria de arte moderno y contemporáneo a este lado del atlántico. El tiempo lo dirá.

Art Miami. Abierto al público desde el jueves 3 al sábado 8 de diciembre. One Herald Plaza (NE 14 Street & Biscayne Bay). Para horarios ver: www.artmiami.com

Art Basel Miami Beach. Abierto al público, desde el jueves 5 al sábado 8 de dicembre. Miami Convention Center, 1901 Convention Center Drive. Para horarios ver: www.artbasel.com/miami/beach

Dennys Matos es crírtico de arte y curador independiente. Reside y trabaja entre Miami y Madrid

16/10/19

ADN CUBA : LOS CARPINTEROS EXPONEN EN WASHINTON UNA CUBA ENVEJECIDA

Press Release

Rostros de personas comunes y corrientes que se asemejan a la famosa silueta del máximo icono de la revolución cubana, Ernesto «Che» Guevara, exhibe desde este jueves en Washington el dúo de artistas cubanos «Los Carpinteros«, en la que consideran la muestra de una isla «envejecida».

Con las huellas del paso de los años, Eusebia, Alfonso, Simón, René, Isabel, Cachita y Felicia, contemporáneos en edad con el asesinado líder revolucionario, son protagonistas de «Cuba Va!», una instalación que acogerá hasta el próximo 12 de enero la Phillips Collection y la complementan dos videos: «Comodato» y «Retráctil».

Esta muestra «expone de alguna manera el paso del tiempo en Cuba y cómo se ha convertido en algo inamovible, cómo se ha convertido en un espacio donde no sucede nada», dijo a Efe Dagoberto Rodríguez, quien junto a Marco Antonio Castillo conforma «Los Carpinteros».

Según Rodríguez, con esta exposición buscan mostrar su generación, cómo piensan y cómo ven «la Cuba actual».

«Cuba es como si fuera un paciente en coma, que el Gobierno sabe administrarle comida, mantiene sus funciones vitales, pero es un paciente en coma, nunca va a tener crecimiento», agregó este artista, quien se mueve entre La Habana y Madrid.

En palabras de Rodríguez, el sistema de la isla «tiene un enfoque parasitario«, mientras el Gobierno es «como una gran obra de bricolaje».

Castillo, por su parte, consideró que «Cuba está envejecida» y «la teoría en la cual fue fundada la dirección de Cuba en los últimos años envejeció, se puso vieja».

«Es una idea que envejeció, es una idea que no se renovó, no es que sea una idea mala, es una idea que no fue renovada, entonces está tal y cual se habló desde un principio y hoy en día tiene ese aspecto envejecido», agregó al hacer un paralelo con los rostros de esos «héroes particulares» de la muestra, que consideró «lindos y dignos».

Y por eso, para Castillo, la guerra contra Cuba también «es vieja, la oposición a Cuba es vieja» y «no funciona tampoco».

«Nunca ha funcionado, el único que intentó hacer algo que valía la pena fue (el entonces presidente estadounidense Barack) Obama«, apuntó este artista, para quien el ahora exgobernante -que inició un proceso de apertura con La Habana- «logró mucho más que ningún otro presidente» o que «cualquiera que intentó hacer algo».

De allí que la llegada de esta exposición a Washington, ahora bajo la era de la Administración de Donald Trump, sea igualmente significativa.

«El enemigo del que se habla en Cuba vive aquí en esta ciudad», dijo Castillo, quien consideró interesante «cómo ese supuesto enemigo que vive en esta ciudad hoy día está haciendo un programa de recrudecimiento de la agresión» y «efectivamente está causando un daño profundo, pero sobre todo a la población cubana», no a los dirigentes.

La exposición, lograda tras tres años de trabajo con la curadora Vesela Sreterovic, es la primera desde que «Los Carpinteros», que terminaron adoptando este nombre tras ser bautizados así por quienes conocieron sus primeras obras -que en ese entonces eran en madera-, anunciaron el fin de una labor conjunta de más de dos décadas.

«No va a haber obra nueva de ‘Los Carpinteros’, hay un acervo, hay un trabajo profundo que se ha hecho durante todos estos años, tenemos 26 años trabajando juntos, y la carrera de ‘Los Carpinteros’, independientemente de cómo las carreras de nosotros personalmente se dirijan, continúa», aseguró Castillo.

Sobre el título de la exposición: «Cuba Va!», Rodríguez apuntó que correspondía a una canción del grupo Experimentación Sonora.

«‘Cuba Va!’ era la canción que también se repetía y era como una especie de ritmo optimista y era también una cuestión ideológica. Se estaba tratando de decir que Cuba era un país que estaba prosperando«, relató Castillo para señalar que «usar eso ahora», como está la situación, tiene «todo un carácter irónico».

«Es exactamente todo lo contrario, desafortunadamente», remató Rodríguez.

https://adncuba.com/noticias-de-cuba/cultura/los-carpinteros-exponen-en-washington-una-cuba-envejecida

AGENCIA EFE

08/10/19

Artland: Dagoberto Rodríguez, Solo Exhibition, Galerie Peter Kilchmann

Press Release

His carefully crafted sculptures and watercolors combine elements from architecture and design, while exploring iconic moments in politics and society. In doing so they follow a humorous visual language of contradiction and transformation – like the utilitarian versus the useless and form versus function. In the context of the exhibition Rodriguez will present his most recent groups of works, commenting with irony on the failures and drifts of modernity, as well as its contradictions and poetic possibilities. On view will be a selection of objects in chrome bronze and bronze as well as one large scale sculpture in (technique?).

The first space of the exhibition will be dedicated to Rodriguez‘s two series Emblemas (Emblems), 2018 and Cocaina y Comunismo (Cocaine and Communism), 2019. Installed in a composed formation on the wall, a group of sculptures in chrome bronze will appropriate the aesthetics of emblems and wheel rims of American cars of the mid-twentieth century. These vehicles were icons of modernity and capitalist expansion in the United States after the Second World War. While in the rest of the world they gradually disappeared from the streets being replaced by more recent models, in Cuba they have remained in use and nowadays are considered as one of the island’s most popular icons. Besides the obvious branding of each object, on a closer look the observer will be confronted with strong verbal intersections used by Fidel Castro such as Justicia (Justice), Libertad (Liberty) or Es para los Revolucionarios (Its for the Revolutionary) merged with the brand-related logos and typography. While stressing the paradox that these emblematic objects of US capitalism have remained in full use throughout the sixty years of communism in Cuba, the series also presents a shift of meaning by featuring words spoken in Cuba‘s revolutionary discourses that have little or nothing to do with the cars’ original market-oriented rhetoric.

The series will be contrasted by the large-scale sculpture Puente Invertido (Inverted Bridge), 2019, adopting the distinctive late nineteenth century bridges, which were not only engineering achievements but one of the most iconic accomplishments of the industrial revolution. The piece consists of a reproduction of one of these structures. But instead of fullfilling it‘s original purpose to connect two disconnected shores or borders it is uprooted of any context and displayed upside down while reflecting itself in a water mirror. The functionality of the object is thus suspended to give rise to a purely aesthetic dimension. Moreover, the reflection does not only produce an inversion of the image but a switch of meaning: the most important part of the installation is not the object itself, but its positive reflection. Inspired by the Greek myth of Narcissus, Rodriguez inverts the protagonist’s fate and doctrine that aesthetic delight causes loss by showing beauty as a plausible escape to modernity’s dictate towards technology, reason, and progress.

The exhibition will continue in the second space, featuring the series No Estrella (No Star), 2019 that draws reference to the shape of the medals awarded by the Cuban government to prominent personalities and top leaders of the regime. The star is also an icon of the Cuban flag. In this series the artist presents the star through an aesthetic which resembles the organic soft texture of sea stars. Closer to that of nature than to an emblematic symbol of the communist regime the shape is deprived of its political and ideological use as a medal. The political-ideological order, which has proven to be pivotal for Cuba’s historical processes, is shifted in order to highlight the role that nature, and particularly the sea, have had in the socio-historical configuration of this Caribbean island.

Rodriguez is known as co founder of the artist collective Los Carpinteros that collaborated between 1992 – 2018. Their works are encountered worldwide in the collections of international institutions such as the Centre Pompidou, Paris; Hirshhorn Museum, Washington; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Musée d‘art contemporain (MAC) de Montréal; Museum of Modern Art (MoMA), New York; Museo Nacional de Bellas Artes, Havana; Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; National Gallery of Canada, Ottawa; Solomon R. Guggenheim Museum, New York, and Tate Modern, London, just to mention a few. Recent solo exhibitions include The Phillips Collection, Washington (2019); La cosa esta candela, Banco de la República, Bogotá (2017-2018); O Objeto vital, Centro Cultural Banco do Brasil at several locations in Brazil (2016-2017); Los Carpinteros MUAC, Mexico City (2016) and Yelmo, Museum Folkwang, Essen (2014). In 2015 the Victoria and Albert Museum, London opened a permanent exhibition with a large-scale sculpture entitled Globe.

07/10/19

A la carta: El artista cubano Dagoberto Rodríguez expone por primera vez

Interview

Hablamos con el artista cubano Dagoberto Rodríguez, exmiembro del colectivo Los carpinteros, y la comisaria Diana Cuellar, sobre la nueva exposición de Rodríguez en Madrid Tus manos están bien, de la que se puede disfrutar en la galería Ivorypress hasta el 26 de octubre.

También repasamos las últimas noticias que nos llevan a varias ciudades de México y al Festival de Cine de Sitges, y nos detenemos en la conmemoración del Winnipeg, el barco que trasladó a más de 2000 refugiados españoles a Chile tras la guerra civil española.

Por último, nos despedimos con la música de Amós Lora, guitarrista madrileño que presenta su tercer álbum.

 

28/09/19

ABC Cultural: Manos a la obra

Review

FERNANDO CASTRO FLÓREZ

Tras disolverse el colectivo Los Carpinteros, que tantas obras lúcidas y lúdicas realizaron durante afios, Dagoberto Rodríguez, uno de sus miembros, revela que su imaginario sigue teniendo un excepcional filo crítico no exento de humor. Sabe de sobra que, en ocasiones, hay que «dejarse las manos» en el intento, y que lo mismo un tuit sobre la guerra de Siria que las letras de reguetón pueden ser elementos cruciales para dar cuenta de lo que nos pasa. Si los coches americanos «tuneados» en Cuba sirven comosoporte para una suerte de «tergiversación» de la retórica de las consignas politicas, una condecoración en forma de estrella puede materializarse en una especie de retorno de lo «zoológicamente reprimido». Todas las obras están realizadas en procesos colaborativos que revelan la resistencia a la autoria narcisista. Dagoberto modula una estética apropiacionista que no recae en la inercia de la duchampitis, ni tampoco se entrega al postureo radical que amenaza con cortarse la lengua para seguir dando la matracaen un delirante dia de la marmota. Se trata de fabricar obras que diserninan relatos sin apelar a la Historia (entendida está en el sentido tanto anticuario cuanto hegeliano). Acaso nuestro memorial tenga que tomar en consideración las contundentes letras del reguetón: en vez de los nombres de los caidos en Vietnam, tenemos la ocasión de hacer un frottage para aprender del perreo. Basta leer en letras cromadas el «Patria o Muerte» para comenzar a pensar que tenemos que conducirnos hacia otras cosas. De entrada hay que ponerse manos a la obra.

25/09/19

Es Madrid: Tus manos están bien. Dagoberto Rodríguez

Press Release

IvoryPress Art acoge la primera exposición individual en España del artista cubano Dagoberto Rodríguez. Una muestra comisariada por Diana Cuellar que brinda una selección de obras con diversas texturas y lenguajes.

La galería se estructura en tres secciones. La primera versa sobre un video difundido en Twitter que mostraba un diálogo entre dos operadores de misiles durante la guerra de Siria en el momento en que uno de ellos acababa de perder sus dos manos. Dagoberto plasma este violento hecho en un mosaico mural realizado artesanalmente mediante la técnica de la azulejaría árabe, combinando la industria tradicional y la plataforma digital.

Después se encuentra la serie Emblemas, donde mezcla insignias de coches estadounidenses de los años 40 y 50 con lemas populares difundidos durante la revolución cubana. Por último, en la serie Reguetón descontextualiza letras de canciones y las ubica en un marco totalmente distinto: en paneles de granito a modo de memoriales.

Nacido en Cabairén (Cuba) en 1969, Dagoberto se graduó en el Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana en 1994. En 1992 fue cofundador del colectivo Los Carpinteros junto con Marco Antonio Castillo Valdés y Alexandre Arreche, hasta su disolución en 2018. Su obra suele fusionar la arquitectura, el diseño y la escultura, y juega con el humor y la ironía para abordar temas centrales del arte, la política y la sociedad.

Sus creaciones han sido expuestas en pinacotecas como el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC) de Santiago de Compostela, el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) de Badajoz, la Tate de Londres, el Centre Georges Pompidou de París o el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.